Electrodomésticos: La arriesgada apuesta de experimentar

Los inicios de esta respetada banda nacional se remontan a principios de la década de los ochentas, cuando se juntan dos realidades que tienen a la música como principal elemento en común. Por un lado tenemos a Silvio Paredes (bajista de “Primeros Auxilios”), quien junto al guitarrista Ernesto Medina forma la agrupación “Rajacerebros”, que manejaba un estilo que se movía entre lo experimental y lo electrónico, y por otra parte, aparece Carlos Cabezas, quien llega a la capital proveniente de Ovalle, para estudiar ingeniería, y que terminaría desempeñándose como controlador de tráfico aéreo en Pudahuel y Cerrillos. Por ese entonces, Carlos se encontraba realizando algunas composiciones junto a un proyecto llamado “Trígono”, y fue en 1984 que conoce a Silvio y Ernesto, con quienes decide formar la banda “Electrodomésticos”. En un comienzo empezaron a trabajar en improvisaciones sobre bases de teclado, samplers y cintas, siendo su primer trabajo la musicalización con cintas de una exposición en la Galería Bucci. Debutan en 1985, como teloneros de “Primeros Auxilios”, en el Teatro Moneda.

A partir de este punto comenzaron a hacerse conocidos en la escena underground, en donde su particular estilo musical (inédito en Chile hasta ese momento), de inmediato cautivó al público nacional y permitió que el Sello EMI viera en ellos una gran oportunidad de explotar el movimiento pop que estaba en desarrollo. Ya contando con el apoyo de una casa discográfica lanzan su disco debut bajo el nombre de “Viva Chile” (1986), el cual fue grabado y editado en muy corto tiempo, y que se podría definir como una combinación de sonidos electrónicos sin una línea melódica claramente identificable. Lo novedoso de su sonido les permitió conquistar a un gran número de fanáticos en un corto tiempo, y además los catapultó hasta Buenos Aires, donde se presentaron en el Teatro Santa María junto a “Los Twist” y “La Torre”. Su segunda placa “Carreras de éxitos” se edita en 1987, y de él se desprende la canción “El frío misterio”, que a la larga se convertiría en uno de los mayores éxitos de la banda. El lanzamiento de la placa se realiza en el Teatro Providencia y para ese entonces ya se había incorporado como miembro estable el trompetista Michel Durot.

En 1990 se incorpora en la batería Sebastián Levine (ex Pinochet Boys), y se comienza a hablar de la posibilidad de editar su tercer larga duración, sin embargo, Ernesto Medina anuncia su retiro lo cual iba a gatillar la disolución de la banda. Electrodomésticos ofrece su último concierto el 18 de Enero de 1992 en un repleto anfiteatro del Museo de Bellas Artes, y donde inclusive cientos de personas se quedaron afuera. Así comienza el receso del grupo, periodo en el cual Medina y Paredes conforman la banda “Los Mismos”, mientras que por su parte, Carlos Cabezas se desempeña como productor y edita su disco solista “El Resplandor” (1997), que tiene la particularidad de incorporar 3 canciones que Electrodomésticos iba a incluir en su tercera placa.

En el 2001 Cabezas vuelve a trabajar con Silvio Paredes, bajo el contexto de una colaboración entre el cantante y “Los Mismos”, que en ese punto también tenía entre sus filas a Gabriel Vigliensoni y Cuti Aste. Realizaban presentaciones en vivo bajo el seudónimo de “Cabezas Sound Weapon”, sin embargo, para el público siempre siguieron siendo Electrodomésticos. En paralelo a la incorporación de Edita Rojas en batería, la banda comienza a generar nuevo material, lo que los lleva a grabar el disco “La nueva canción chilena” (1994), en el cual se evidencia que los años no pasaron en vano, modificando el sonido que presentó la banda en los ochentas, hacía un estilo más cercano al rock, pero sin abandonar por completo las bases electrónicas.

En el 2010, el director Sergio Castro San Martín, contando con el apoyo del Fondo de Fomento Audiovisual del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, en conjunto con la Facultad de Cine de la Universidad del Desarrollo y Radio Horizonte, da vida al documental “Electrodomésticos: El Frío Misterio”, un completo trabajo que nos presenta una exhaustiva investigación respecto al origen, historia y legado de la banda. La cinta recibió el premio a Mejor Documental Nacional en el Festival IN-EDIT NESCAFÉ. Haciendo un análisis lo más objetivo posible respecto a la trayectoria de Electrodomésticos, se puede concluir que es una de las bandas más innovadoras e influyentes en la historia del rock chileno de los ochentas y noventas. Su arriesgada propuesta musical, será un aporte importante a la diversidad artística del Festival Lollapalooza Chile 2012, cuando se presenten en la primera jornada el Sábado 31 de Marzo.

Joan Jett & The BlackHearts: Larga vida a la Reina del Rock

El pasado 13 de Noviembre, durante el concierto que Foo Fighters brindaba en el Madison Square Garden de la ciudad de New York, Dave Grohl se dio el gusto de invitar al escenario a una de las figuras femeninas más influyentes en la historia del rock: Joan Jett, con quien interpretó a dúo el tema “Bad Reputation”, uno de los himnos punk que se desprende del álbum con que debuto como solista en 1980 (homónimo), y que logró sonar mucho más potente gracias a la instrumentación de la banda y el apoyo vocal de Grohl. Este no fue un hecho aislado, ya que la colaboración se volvió a repetir solo dos días después en el programa de televisión de David Letterman.

Es probable que los fans más jóvenes de Foo Fighters se hayan preguntado, en un completo acto de ignorancia musical, quien era la “señora” que habían subido al escenario, pues bien, lo que ellos no saben es que estuvieron en presencia de un verdadero icono del rock, que brilló en los años setentas y ochentas, sirviendo de inspiración para una infinidad de agrupaciones, ganándose el respeto y reconocimiento de toda una generación. Inclusive se llegó a hablar que habrían sido los mismísimos Foo Fighters quienes habrían “sugerido” la presencia de Joan Jett en el Festival Lollapalooza Chile 2012, pero lo verdaderamente importante no es como se gestó su llegada, sino que el próximo 01 de Abril podremos ser testigos de una presentación histórica, a cargo de una de las protagonistas de la historia del rock.

Joat Jett (cuyo nombre verdadero es Joan Marie Larkin) ha tenido la capacidad de matizar su carrera, moviéndose en diferentes líneas artísticas, pero nunca transando su autenticidad e integridad. A los 15 años (1973) junto a Sandy West (batería), Cherie Currie (voz), Lita Ford (guitarra) y Jackie Fox (bajo) formó la banda “The Runaways”, con quienes grabó cinco LP, antes de su desilusión en 1979. En la primavera de ese mismo año, grabó tres temas con dos antiguos integrantes de “Sex Pistols”: Paul Cook y Steve Jones (uno de ellos el cover de “I Love Rock N' Roll” de The Arrows). Posteriormente, volvió a Los Ángeles y se embarcó en la grabación de una película basada en la historia de The Runaways,  que llevaba por nombre “We're All Crazee Now!”, pero que lamentablemente nunca vio la luz.

En esta etapa de su vida conoció al compositor y productor Kenny Laguna, quien la ayudó a grabar su disco debut como solista, el cual fue editado en 1980 bajo el nombre de “Joan Jett”. En Estados Unidos la placa fue rechazada por 23 casas discográficas, que no creyeron en el potencial del material y por lo mismo, Joan tomó la decisión de lanzarlo de forma independiente (convirtiéndose en la primera guitarrista femenina en crear su propio sello: “Blackheart Records”). Ese mismo año, junto a Ricky Byrd, John Doe, Gary Ryan y Eric Ambel, conforman la banda “The Blackhearts”, grabando en 1981 el exitoso álbum “I Love Rock N' Roll”. Desde entonces se han mantenido vigentes, realizando múltiples presentaciones en vivo y editando más de una decena de álbumes, siendo su última entrega "Sinner" (2006).

Los Jaivas: Un viaje a nuestras raíces

Destacada banda nacional con casi 50 años de trayectoria, que con su particular estilo (mezcla de rock progresivo y ritmos andinos) se ha hecho reconocida en todo el mundo. Los Jaivas nacen en 1963 en la ciudad de Viña del Mar, cuando los hermanos Eduardo, Claudio y Gabriel Parra, deciden conformar una banda junto a dos de sus compañeros del Liceo Guillermo Rivera Cotapos: Eduardo "Gato" Alquinta y Mario Mutis. En un comienzo, la banda fue bautizada como “The High & Bass” (haciendo alusión a las diferencias de estatura entre los miembros), posteriormente el nombre sería castellanizado a “Los Jaivas”. Fueron pioneros en la fusión de la música autóctona latinoamericana con instrumentos electrónicos, tales como: sintetizadores, guitarras eléctricas, bajos y batería.

En el año 1973 y bajo un complicado clima político, el grupo decide trasladarse a la ciudad de Zárate en Argentina, haciéndose rápidamente conocidos en el país vecino, lo que los lleva a realizar varias presentaciones durante su estadía, inclusive tocando en Uruguay, Brasil y Paraguay. A fines de 1977, la banda decide tomar un barco hacía Europa, instalándose en Paris, viviendo en comunidad en una casona del siglo XVIII, y es precisamente aquí donde tienen los momentos más creativos de su carrera, permitiéndoles presentarse en Holanda, Inglaterra, Bélgica, Alemania, España y muchos otros países. En 1981, Los Jaivas tienen la idea de musicalizar poemas del Canto General de Pablo Neruda, lo que a la larga se convertiría en su álbum más transcendental “Alturas de Machu Picchu” y les permitiría volver a Latinoamérica para grabar las escenas del especial de televisión que acompañaría al disco.

Nadie puede poner en duda la capacidad creativa de Los Jaivas, editando hasta la fecha 15 álbumes de estudio, más otros tres registrados en vivo. Una de esas bandas que nos hacen sentir orgullosos de ser chilenos y que nos sirven de puente para compartir gustos en común con nuestros padres. Una banda que se ha paseado por los escenarios más importantes alrededor del mundo, y que con su talento y dedicación ha sabido ganarse un lugar en la historia de la música chilena e internacional.

La tragedia es un factor que siempre ha estado latente en la historia de Los Jaivas, lo cual hace que sea aun más meritorio que se sigan manteniendo vigentes a pesar de todas las perdidas que han tenido que superar. El 15 de Abril de 1988, Gabriel Parra, baterista y miembro fundador de la banda, murió en un accidente automovilístico al sur de Perú (a 380 kilómetros de Lima). Pocos meses después se edita el álbum “Los Jaivas en Vivo: Gira 88”, rindiendo homenaje a Gabriel al incluirlo en la portada del disco. Posteriormente, su lugar sería ocupado por su hija Juanita, que se incorpora a la banda en 1991. En enero del 2002, la banda vive uno de sus momentos más lamentables, cuando Eduardo “Gato” Alquinta fallece en Coquimbo a raíz de un infarto agudo al miocardio. La banda toma la decisión de seguir adelante supliendo su ausencia con tres de sus hijos: Ankatu (guitarra), Eloy (flauta, saxo e instrumentos de viento) y Aurora (voz). Con esta formación realizan una gira tributo bajo el nombre de “Gato Presente”. A pesar de todo, todavía quedaba un oscuro capítulo por escribir en la historia de Los Jaivas, a un poco más de año de la muerte de su padre, muere Eloy Alquinta (de 33 años) a causa de un paro cardíaco.

Existen pocas bandas que sintamos tan nuestras como Los Jaivas, y por lo mismo resulta casi imposible no emocionarse al escucharlos en vivo, un conjunto donde cada una de sus piezas sabe perfectamente que hacer, y como hacerlo. Una verdadera historia de vida plasmada en la emotividad y trascendencia de la música. Más que una banda, podríamos decir que son una familia, y que nos hacen participe de ella, a través de discos inolvidables y temas que ya pasaron a ser parte del cancionero popular. Verdaderos himnos latinoamericanos que son transversales a todas las generaciones, y que sin duda seguirán sonando y emocionando por mucho tiempo más. Quizás un premio más que merecido a su enorme trayectoria, será su convocatoria al primer día del Festival Lollapalooza Chile 2012. Sin lugar a dudas un imperdible, ya que si Los Jaivas están en el escenario solo podemos esperar una entrega total e incondicional.

Björk: El talento inagotable de una diva

Björk (Gudmunsdóttir Gunnarson) es una reconocida y talentosa cantante/compositora islandesa, cuyo estilo se mueve entre el dance-pop vanguardista y el club/dance, con algunos toques de jazz y punk. El contacto con la música comenzó a muy corta edad, cuando su madre se casó con Saevar Árnason, integrante del grupo local “Pops”, quien la motivó a aprender a tocar piano y flauta. A los 5 años ingresó a la escuela de música “Barnamúsikskóli Reykjavikur” en donde perfeccionó su técnica y descubrió que el canto sería más que un hobby (sus influencias musicales fueron Jimi Hendrix y Janis Joplin). Apenas a los 11 años interpreto la canción “I Love To Love” de Tina Charles en Radio One y a raíz de este episodio obtuvo un contrato discográfico con el sello Fálkinn, con el cual editó su primer LP “Björk” (1977), el que tuvo un éxito inesperado, vendiendo más de 7.000 copias (algo así como el 35% de los islandeses).

En 1979, Björk se sintió atraída por el sonido punk, formando su primer grupo bajo el nombre de “Spit and Snot” (en el cual se desempeñaba como baterista), tras su desilusión probó suerte en otras dos bandas: “Exodus” y “Jam 80”. En 1982 formó parte de “Tappy Tikarrass”, banda de pop-punk, con quienes grabó el LP “Miranda” (1983), y posteriormente formaría el grupo “KUKL”, quienes predicaban un sonido experimental, mezcla de jazz, pop, rock y algunas influencias góticas. En 1986 varios de los integrantes de KUKL formarían “The Sugarcubes”, banda que se haría muy famosa en Islandia y que sería el primer paso para dar a conocer a Björk en el plano internacional. Ese mismo año contrajo matrimonio con el guitarrista Thor Eldon, con quien tuvo a su hija Sindri. En los años posteriores la banda logró éxito y reconocimiento en Inglaterra con los álbumes “Life Too Good” (1988), “Here Today, Tomorrow Next Week” (1989) y “Stick Around For Joy” (1992). Es precisamente en este punto que Björk decide abandonar la banda para comenzar su carrera solista.

En 1993 sale al mercado “Debut”, su primer álbum en solitario, el cual representa el inicio de una nueva etapa en su vida. El disco tuvo mucho éxito en Inglaterra y Estados Unidos, siendo aplaudido por la crítica especializada en todo el mundo. Su segunda placa como solista lleva por nombre “Post” (1995), y contiene una excepcional versión del tema “It’s Oh So Quiet”, tonada swing interpretada en los cuarenta por Betty Hutton (escrita por Hans Lang y Bert Reisfeld). A principios de 1997, Björk editó “Telegram”, LP de remixes de los temas de su anterior producción. En septiembre de ese mismo año sale a la venta el álbum “Homogenic”, que fue íntegramente grabado en España, volviendo a recibir muy buenas críticas entre los aficionados a la música electrónica y experimental. En el año 2000 debuta como actriz, asumiendo el papel protagónico en la película “Dancer In The Dark” (Bailarina en la Oscuridad) y ganando la Palma de Oro por su maravillosa interpretación. Además, se hace cargo de la composición de la banda sonora de la película, la cual es editada el 2000 bajo el nombre de “Selmasongs”. En el 2001 se lanza el álbum “Vespertine”, en donde Björk se hace cargo de la mayor parte de la producción, y que en contraste con sus anteriores trabajos, es un disco mucho más tranquilo. Después de tres años de silencio se edita la placa “Medúlla” (2004), en la cual participan una infinidad de colaboradores, siendo los más destacados Mike Patton (Faith No More, Mr. Bungle, Mondo Cane, etc.) y Robert Wyatt (Soft Machine). En la última etapa de su exitosa carrera ha editado los discos “Volta” (2007) y “Biophilia” (2011), siendo este último un intento de superar la mala impresión que dejó en sus fanáticos con los trabajos anteriores.

Uno de los momentos más impactantes en la carrera de Björk se vivió en 1996, cuando Ricardo López (ciudadano Uruguayo de 21 años, residente en Miami) se filmó construyendo una bomba de acido sulfúrico que tenía por objetivo matarla. Las razones serían una enfermiza obsesión con la artista, a quien le habría enviado cartas en reiteradas ocasiones sin recibir respuesta. La bomba fue oculta dentro de un libro y en el paquete se hacía pasar por un ejecutivo de Elektra Records, quien supuestamente le estaba ofreciendo el guion de su nueva película. Gracias al trabajo de Scotland Yard, el paquete logró ser interceptado en la oficina de correos de Londres.

El próximo 31 de Marzo, Björk será la encargada de cerrar el primer día del Festival Lollapalooza Chile 2012, y en su calidad de diva quiere hacerlo con una de las mayores puestas en escena del certamen. Ha trascendido que su show en Santiago tendrá a 49 personas en el escenario, de las cuales 28 serían coristas y el resto se dividirían entre músicos y bailarines. Además, durante los 90 minutos de duración de su presentación, se contará con una pantalla led gigante que servirá para proyectar imágenes que recorren su exitosa trayectoria.

Illya Kuryaki & The Valderramas: Con la potencia del reencuentro

Reconocido dúo argentino conformado por Dante Spinetta y Emmanuel Horvilleur, y que se caracterizan por un sonido particular, mezcla de rock, punk y hip-hop. La historia de estos amigos comienza a muy temprana edad, debido a la amistad de sus padres, Luis Alberto Spinetta (músico) y Eduardo Martí (fotógrafo). Es en el año 1987, que junto a sus hermanos menores deciden formar el grupo “Pechugo” (una parodia rockera a la banda puertorriqueña “Menudo”), Dante con 11 años y Emmanuel con 12, ya demostraban su pasión por hacer música, y es en 1988 cuando el papá de Dante decide incluir la canción “El Mono Tremendo”, cuyo estribillo es interpretado por Pechugo, en su disco “Téster de Violencia”. En 1990, Dante y Emmanuel, deciden alejarse de la banda y conforman Illya Kuryaki & The Valderramas, cuyo nombre se desglosa en dos partes: Illya Kuryaki, en honor al espía ruso de la serie estadounidense “El Agente C.I.P.O.L.”, y Valderrama, por el recordado y talentoso número 10 de la selección colombiana: Carlos Valderrama.

“Fabrico Cuero” (1991) fue su álbum debut y tarjeta de presentación, y con el deben lidiar con las críticas que le quitaban mérito a su trabajo por tener apellidos famosos, sin embargo, la visión de los medios cambia cuando participan en el Festival de La Falda y son elegidos como banda revelación en el suplemento “Sí” del Diario Clarín. Su segundo trabajo lleva por nombre “Horno Para Calentar Motores” (1993) y es editado bajo el sello Polygram. A pesar de mostrar una mayor riqueza musical, el disco no alcanzó a superar el éxito de su predecesor. En 1995 fundan Gigoló Productions y ve la luz el que a la postre sería su álbum más aplaudido, “Chaco”, vendiendo más de 250.000 copias y abriéndole las puertas a la internalización de su carrera. En 1996 graban “Ninja Mental”, Unplugged de MTV en el que demuestran la calidad de su sonido en vivo y que cuenta con versiones diferentes de temas conocidos. En 1997 sale a la venta “Versus”, placa que fue íntegramente grabada en Estados Unidos, y que cuenta con arreglos de 50 instrumentos, la sesión de vientos de “Earth, Wine & Fire” y la producción de Tom Russo. El disco “Leche” (1999) aparece acompañada de una gran polémica moral, ya que su sello discográfico se encargó de empapelar todo Buenos Aires con un afiche que citaba: “A mover el coolo (se acaba la era)”, causando la indignación del Sindicato de la Moral de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, quien amenazó con quitarle la licencia a la compañía discográfica si no quitaba los carteles en 24 horas.

Un hito clave en la trayectoria de la banda lo marca la trágica muerte de José Luis Miceli, manager y sobretodo amigo cercano de Dante y Emmanuel. Si bien es cierto la idea de la separación estaba latente desde hace más de un año, es este hecho que termina por gatillar la decisión de disolver el dúo después de 11 años de una exitosa carrera.  El álbum compilatorio “Kuryakistan” (2001), es la carta de despedida de los argentinos, y en el incluyen 2 canciones homenaje a su fallecido amigo: “A-dios” y “Hermano”.

Tras la separación, ambos músicos se pusieron a trabajar en discos solistas, sin perder el contacto entre ellos y manteniendo siempre una muy buena relación (que inclusive los llevó a realizar colaboraciones cruzadas en sus discos debut).  Dante Spinetta debuta como solista con el álbum “Elevado” (2002), con el cual fue nominado a los Grammy Latinos 2003 en la categoría de Mejor Disco Hip-Hop, además, el video del sencillo “Donde vas” fue nominado a los premios Gardel como Mejor Videoclip del Año. Su segundo disco se edita en el 2007 bajo el nombre de “El Apagón” y cuenta con la participación de Julieta Venegas y Tony Touch. En el 2010 sale al mercado “Pyrámide”, su tercer disco solista, y en el cual colabora Residente (Calle 13) en el tema “Pa tras”. Por su parte, Emmanuel Horvilleur, hace su debut como solista el 2003 con la placa “Música y Delirio”, material que no tiene mayor repercusión. Su segundo disco, “Rocanrolero” (2005) se convierte de inmediato en un éxito, lo que le permite compartir escenario con Jamiroquai y Shakira, además de realizar más de 200 shows en todo el país. El 2007 edita su tercer disco con el nombre de “Mordisco”, en el cual trabaja con artistas de la talla de Gustavo Cerati, y con el que gana el premio Gardel al Mejor Álbum Masculino Pop. Su último trabajo solista lleva por nombre “Amor en Polvo”, fue editado el 2010 y producido por Emmanuel y su hermano Lucas Martí.

El 26 de Agosto del 2011, y tras 10 años de separación, Dante y Emmanuel confirman el regreso a las pistas de Illya Kuryaki & The Valderramas, que los llevó a presentarse en el Movistar Free Music y en el Festival Solidario Mundo Invisible. Para el 2012 prometen lanzamiento de nuevo disco (que podría contar con la colaboración de Molotov) y ya tienen shows confirmados en el Festival Vive Latino de México y en el segundo día del Festival Lollapalooza Chile 2012.

Jiminelson: Un descubrimiento afortunado

Banda nacional formada en Santiago a mediados de 2004, y que nace de la amistad entre Gustavo León (voz y guitarra) y Andrés “Chino” Villarroel (batería), ambos músicos autodidactas. Posteriormente se les sumaria Rodrigo Silva (más conocido como “Nicolás Cowboy”) en el pandero y la armónica. Un sonido que mezcla la potencia del rock, la energía del punk y la mística del blues, les ha permitido marcar diferencias con respecto a otras bandas de la escena local. El nombre de la banda proviene de un pase escolar que Gustavo se encontró en la calle mientras era estudiante de Ciencias Políticas (2003) y que pertenecía a “Jimmy Nelson Becerra”.

En sus inicios la banda grabó 6 temas, los cuales ellos mismos editaron bajo el nombre de “Turbo” (2004) y que solo tuvo un tiraje de 500 copias, las cuales fueron vendidas durante presentaciones en vivo. A finales de 2005 editan su primera placa “Yo, Jiminelson” (reeditado un año después por la Corporación Fonográfica Autónoma), que fue grabada en el estudio Verde Limón de Omar Van de Wyngard y producido por el propio Gustavo León. El disco consta de 18 canciones y setenta minutos de duración, con un estilo muy característico, que mezcla la esencia del sonido del rock clásico (como Led Zeppelin, Black Sabbath y AC/DC) y las raíces del blues de a mediado de siglo. Algo que llama mucho la atención, es la portada del álbum, que posee una cubierta de terciopelo azul con un águila dorada echa de escarcha (serigrafía brillante).

A fines del 2007 la banda comienza a trabajar en una nueva producción, que ve la luz en Septiembre del 2008 bajo el nombre de “Amor del Rey”. A diferencia de su placa anterior, solo contiene 8 canciones distribuidas en poco menos de 30 minutos de música, que dejan una sensación de gusto a poco, quizás invitando a mantenerse pendiente a los próximos trabajos de Jiminelson, pero que proyecta una enorme evolución y madurez musical, reflejada en un sonido mucho más nítido y un estilo cada vez más característico. Para esta nueva etapa, la banda firmó con el sello Armónica/Oveja Negra y la producción del disco fue encargada a Simón Cox (Usuales), quien también colaboró con algunos arreglos de piano. Además, participan en el disco otros celebres personajes de la música nacional, como lo son Álvaro España de “Fiskales Ad Hok” y Berni Martínez de “Guiso”. Respecto al nombre con el que fue bautizado el álbum, proviene de un documental que habla de un culto existente en New York, donde participan inmigrantes ilegales (indocumentados), que veneran a un pseudo Mesías. Esta suerte de Dios resulta ser un rapero puertorriqueño, que vive sus últimos días de libertad por estar involucrado en el tráfico de drogas y algunos asesinatos. Este personaje realiza una misa, donde grita y repite por micrófono: “Amor del Rey”.

En el 2009 Gustavo León se fue a vivir a Buenos Aires (barrio Núñez, cerca del Río de la Plata) y es aquí donde se empieza a gestar el que sería el próximo trabajo de Jiminelson. Es así como el 2011 sale al mercado “Serendipity Vol. 1”, la tercera placa de la banda, que viene a ratificar todo lo bueno de su anterior producción, con un sonido que se mueve entre el soul, el folk y el siempre presente punk, y letras mucho más profundas y conmovedoras. El disco se grabó entre Santiago y Buenos Aires en un periodo de quince meses, y fue editado bajo el sello Italia90. Al igual que su antecesor, es un álbum relativamente corto (30 minutos) y está conformado por 7 canciones (tres de ellas en inglés), de las cuales seis son originales de la banda, siendo el track que cierra el trabajo, un cover de la clásica balada “Nothing Compares To You” escrita por Prince e interpretada por Sinead O’Connor. La traducción al español de “Serendipity” es descubrimiento afortunado e inesperado, es decir, aquellas cosas que te pasan cuando menos las esperas, y que conllevan un buen desenlace. 

                            

En diciembre del 2009, Julien Temple (director británico, reconocido por su trabajo con Sex Pistols) escucho a Jiminelson en vivo y tras la presentación se despacho el siguiente comentario: “La esperanza del punk está viva”. A la postre el director terminaría desayunando con Gustavo León y reafirmando sus ideales que lo llevaron a iniciar este proyecto que tan buenos frutos le ha dado. El próximo Domingo 01 de Abril, Jiminelson se presentará como parte del segundo día del Festival Lollapalooza Chile 2012, y sin lugar a dudas, será uno de los puntos altos que dejará bien puesto el nombre del rock nacional.

MGMT: El sonido psicodélico de una nueva generación

MGMT es una banda estadounidense formada en 2002 por Andrew VanWyngarden (guitarra y voz principal) y Ben Goldwasser (teclado y segunda voz), quienes se conocieron mientras estudiaban música en la Universidad de Wesleyan (renombrado centro de artes liberales de Connecticut). En sus inicios experimentaron con múltiples sonidos para encontrar una fórmula que los identificara,  una receta que consta de un poco de psicodelia, algunos toques de punk, y algunas influencias del rock clásico (más tarde, su estilo musical sería etiquetado como pop psicodélico por parte de David Marchese, crítico de la revista Spin, quien llegó a esta conclusión al escuchar su primer sencillo “Time To Pretend”, y definirlo como un ritmo bailable, jocoso y pegadizo, cargado de sintetizadores y una atmósfera seudoespacial que se mezcla con una letra que parece un himno al hedonismo rockero). Bajo el nombre de “The Management” editan su primera placa, “Climbing To New Lows” (2005), álbum experimental que tuvo poca repercusión, pero que sirvió para establecer un punto de partida del sonido que estaban predicando.

Al graduarse en el 2005, deciden cambiar su nombre a MGMT (siglas de “Management” en inglés) y graban un EP bajo el nombre de “Time To Pretend”. En el 2006, Steve Lillywhite, reconocido productor de grandes bandas, tales como: U2, Rolling Stones, Peter Gabriel, The Smiths (entre muchas otras) y entonces vicepresidente de A&R de Columbia Records, decide ofrecerles un contrato discográfico para grabar cuatro álbumes. El primero de ellos es“ Oracular Spectacular” (2008), que fue producido por Dave Fridmann (quien también ha trabajado con Weezer, The Flaming Lips y Café Tacuba), y que tuvo el reconocimiento de la crítica especializada como uno de los mejores discos del año, lo que les abrió las puertas para actuar en múltiples festivales internacionales (Glastonbury, Coachella, Lollapalooza, T in the Park, etc.) y en los shows televisivos de mayor renombre en Estados Unidos (tal como “The Late Show” con David Letterman).

En su segunda placa, “Congratulations” (2010), la banda da un giro en su estilo, con canciones no tan pegajosas y bailables como en su disco debut, y que apuntan a una obra más conceptual, tanto en lo musical, como en el contenido de sus letras. Según declaraciones del propio Andrew VanWyngarden, el álbum es una consecuencia a la fama y al éxito que consiguieron con su primer trabajo, ya que se dieron cuenta que estaban escribiendo canciones asociadas a un estado anímico en particular, que es el de estar de gira por un año y medio, con todo el caos y desgaste que eso conlleva. Este disco es mucho más psicodélico que su predecesor (para algunos quizás puede parecer una exageración), y busca no hacer resaltar en demasía ninguno de sus cortes, por el contrario, el objetivo fundamental es que sea un álbum que permita escucharlo de principio a fin, y en donde todas las canciones se encuentren a un mismo nivel. 

El hecho de que en la actualidad podamos hablar de MGMT tiene que ver básicamente con dos factores, por un lado esta la suerte y por el otro, la necesidad que tienen los sellos discográficos de encontrar al próximo artista revelación, lo que los lleva a realizar apuestas bastante arriesgadas. Cuando Andrew y Ben tocaban en la Universidad, lo hacían sobre pistas pregrabadas y sin ninguna preparación, ya que lo veían solo como pasatiempo (en ningún momento se les habría pasado por la mente vivir de la música). A finales de 2006, cuando llegó la oferta de Columbia Records, habían pasado seis meses en los que ni siquiera se hablaban, ya que habían tomado la decisión de seguir caminos separados (Ben tenía pensado dedicarse a las Ciencias Sociales y Andrew no sabia hacía donde orientar sus pasos). La propuesta los pilló por sorpresa, pero era demasiado tentadora para dejarla escapar, por un lado no tendrían que preocuparse por desarrollar un trabajo común y corriente, y además, dar sus primeros pasos teniendo a una multinacional como respaldo, les permitía soñar con una carrera exitosa.

Al igual que otras bandas de la última década (como por ejemplo, “Scissors Sisters”), MGMT ha tenido mucho más éxito en Inglaterra que en Estados Unidos, y este fenómeno se puede atribuir al tipo de público que existe en cada país. En el caso de Estados Unidos la gente es más cínica, cuando aparece una banda o estilo nuevo, su reacción primaria es pensar que seguramente no serán tan buenos como todos dicen, y por el contrario, los ingleses se entusiasman ante la posibilidad de degustar nuevos estilos y se predisponen a disfrutarlos. Una de las mayores críticas que ha recibido la banda en su corta trayectoria, es que durante sus presentaciones en vivo existe poca interacción con el público, y a pesar que la consideran una crítica valida (y que la han ido puliendo con cada uno de sus shows) se defienden indicando que no soportan a esos grupos que se pasan más de media hora conversando con el público, que ellos prefieren que cada minuto del concierto sea llenado con música y energía. Por suerte para el público chileno, pronto podremos opinar respecto a la calidad de MGMT, cuando el próximo Domingo 01 de Abril, se presenten en Santiago, en el marco del Festival Lollapalooza Chile 2012.